À Bruxelles, une exposition unique illumine une artiste moderne longtemps tombée dans l’oubli : il est temps qu’elle retrouve sa place sous les projecteurs

En bref

• À Bruxelles, les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique consacrent une vaste exposition à Germaine Rimbout (1894-1973), une artiste moderne longtemps tombée dans l’oubli, avec une centaine d’œuvres sur papier réunies pour la première fois.
• L’accrochage met en lumière son parcours bruxellois, nourri de théories de la couleur, de fauvisme et de cubisme, et son évolution vers une abstraction vibrante centrée sur le mouvement.
• Le parcours insiste sur la place de la danse, du mime, du cirque et du sport dans son travail, ainsi que sur sa relation décisive avec l’artiste Cécile Douard, qui a façonné son regard sur le vivant.
• L’exposition participe à une véritable réhabilitation dans l’histoire de l’art contemporain belge, en replaçant Rimbout au cœur du patrimoine artistique du pays.
• Pour un visiteur ou un collectionneur débutant, la présentation offre des repères concrets : techniques, formats, fourchettes de prix pour des œuvres sur papier comparables et choix d’encadrement adaptés.

Une exposition à Bruxelles qui replace Germaine Rimbout sous les projecteurs

Le visiteur qui pousse la porte des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, rue de la Régence, découvre en 2026 une scénographie sobre, presque silencieuse. Dans la salle Spilliaert, désormais dédiée aux arts sur papier, une centaine de feuilles de Germaine Rimbout déploient un arc de plus de cinquante ans de création. L’ensemble porte un message clair : cette artiste moderne, active entre les années 1920 et 1970, doit sortir de l’oubli et reprendre place sous les projecteurs de la scène bruxelloise.

L’exposition « Germaine Rimbout – Poésie. Couleur. Mouvement », visible jusqu’au 18 octobre 2026, rassemble des dessins, aquarelles, encres et pastels issus principalement des collections du musée et de la Bibliothèque royale de Belgique. Le visiteur chemine depuis les premiers nus académiques jusqu’aux « figures dans l’espace » des années 1960, où le corps semble se dissoudre dans des tourbillons de couleurs. Ce face-à-face progressif avec l’œuvre permet de mesurer à quel point cette production s’inscrit dans l’histoire exigeante de l’art contemporain, sans perdre le lien avec le réel.

Côté accès, le billet combiné qui inclut l’entrée à cette exposition et aux collections permanentes se situe autour de 15 à 20 € en 2026, selon les tarifs communiqués par les Musées royaux des Beaux-Arts. À ce prix, vous bénéficiez d’un panorama complet sur l’art belge du XIXe et du XXe siècle, dans lequel Rimbout prend soudain une place reconnue. Pour quelqu’un qui réfléchit à un premier achat d’œuvre sur papier, ce parcours sert de laboratoire visuel : vous voyez, grandeur nature, ce que produisait une artiste qui travaillait presque exclusivement sur ce support.

La dimension de réhabilitation est assumée par la commissaire Sarah Van Ooteghem, qui rappelle que Rimbout n’avait pas bénéficié d’une large visibilité depuis l’exposition de la Bibliothèque royale en 1976. Cinq décennies plus tard, la relecture proposée à Bruxelles s’inscrit dans un mouvement plus large de valorisation des artistes femmes du XXe siècle, longtemps marginalisées dans les récits officiels du patrimoine artistique. Il ne s’agit pas d’un geste symbolique mais d’un travail d’archives, de datation et de contextualisation, qui donne des repères solides au public.

Dans ce contexte, la visite fournit au collectionneur débutant deux clés précieuses : la diversité des techniques sur papier qu’une même artiste peut explorer, et l’importance des institutions publiques dans la construction d’une cote et d’une reconnaissance historique. Une feuille signée Rimbout, passée en vente publique, ne se lit plus de la même manière après ce face-à-face avec l’ensemble de son parcours.

Un accrochage pensé comme un manifeste pour l’art sur papier

L’installation de l’exposition dans la salle Spilliaert n’est pas un hasard. Depuis 2025, cet espace a été repensé pour valoriser les œuvres sur papier, sensibles à la lumière et à l’humidité, avec une rotation régulière pour les préserver. Les cartels indiquent clairement les techniques : « plume et aquarelle sur papier », « encre grise et aquarelle », « aquarelle sur papier vélin ». Cette précision technique intéresse directement celui qui envisage un achat en galerie ou en salle des ventes.

À titre indicatif, une aquarelle d’une artiste belge de la même génération, signée, de format autour de 30 × 40 cm, se négocie en vente publique entre 400 et 1 200 € en 2024–2025, selon les résultats observés à Bruxelles et à Paris pour des artistes comparables mais moins documentés que Rimbout. L’évolution de sa visibilité institutionnelle peut à terme influencer ces fourchettes, sans qu’aucune plus-value ne puisse être garantie. Il faut garder à l’esprit que le marché du dessin reste plus accessible en prix que celui de la peinture sur toile de grands formats.

Le parti pris de montrer quasi exclusivement des œuvres sur papier permet aussi d’aborder la question de la conservation domestique. Les encadrements présentés – souvent sobres, avec passe-partout et vitrage adapté – donnent des modèles concrets. Pour un encadrement de qualité correcte à Bruxelles en 2026, avec un cadre en bois simple, passe-partout et verre anti-UV, il faut compter entre 90 et 140 € pour un format voisin du A3, selon les devis relevés chez plusieurs encadreurs indépendants. Un lecteur qui souhaite approfondir ces questions de budget et de styles peut consulter par exemple cette analyse des prix et styles d’encadrement, qui propose des repères chiffrés et des configurations types.

Cette exposition bruxelloise joue donc sur deux tableaux : la redécouverte d’une œuvre et une pédagogie discrète sur ce que représente, très concrètement, une collection d’arts graphiques. Pour un public habitué aux grandes toiles, cette immersion dans le papier offre une autre échelle, plus intime, souvent plus accessible en termes de budget et d’espace domestique.

De l’Académie de Bruxelles à l’abstraction : formation d’une artiste moderne

Pour comprendre la force de cette exposition, il faut revenir au creuset bruxellois où Germaine Rimbout s’est formée. Née en 1894, elle se heurte très tôt aux réserves de son entourage face à son désir de dessiner et de se consacrer à la poésie. L’inscription à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles marque un tournant. Elle y découvre les cours théoriques sur la couleur, notamment les travaux du chimiste Eugène Chevreul sur les contrastes simultanés, qui irriguent alors tout le débat pictural européen.

Les salles d’exposition montrent comment ces influences se traduisent concrètement : les premiers travaux restent attachés à une figuration structurée, où la couleur accompagne les volumes. Progressivement, les aplats se détachent du contour, les fonds prennent autant d’importance que les sujets. On retrouve l’empreinte du post-impressionnisme et du fauvisme dans certains portraits à la palette vive. Ces références ne sont pas décoratives : elles ancrent Rimbout dans un réseau d’art contemporain où la modernité s’exprime d’abord par la couleur.

Les commissaires insistent aussi sur le fait que Rimbout choisit très tôt de travailler presque exclusivement sur papier. Ce choix, qui pouvait être perçu comme secondaire par certains marchands au milieu du XXe siècle, apparaît aujourd’hui comme une stratégie d’expérimentation. Sur une feuille, le geste est plus libre, le coût du support est moindre, les séries sont plus faciles à constituer. Pour un collectionneur, ce parti pris ouvre une porte d’entrée : il est plus réaliste d’envisager l’acquisition d’une feuille de 25 × 35 cm qu’une grande toile de 2 mètres de haut, ne serait-ce que pour des questions de place.

Dans les années 1940, un jalon biographique structure la visite. Après le décès de sa mère, Rimbout abandonne son poste d’enseignante pour se consacrer entièrement à sa pratique artistique. En 1944, elle expose à la Galerie de la Toison d’Or, alors l’un des lieux importants de l’avant-garde bruxelloise. La Galerie accueille à l’époque des expositions de peintres modernes belges et internationaux, avec des prix de vente qui, selon les archives consultables, se situaient autour de l’équivalent de 300 à 800 € actuels pour une aquarelle de format moyen. Ces repères montrent que Rimbout n’était pas en marge du marché, même si elle n’a pas ensuite bénéficié d’un relais commercial durable.

Pour le visiteur actuel, ce récit de formation invite à regarder autrement les variations de style au fil de l’exposition. Les changements de palette ou de composition ne sont pas des sautes d’humeur mais le résultat d’une confrontation continue avec les mouvements de son temps. Cela aide à situer, par comparaison, une feuille de Rimbout qui apparaîtrait aujourd’hui en vente, et à juger si le prix demandé se justifie par rapport à la qualité et à la période de l’œuvre.

Une technique sur papier au service de la couleur

Les vitrines et les cimaises de l’exposition révèlent l’ampleur de la palette technique de l’artiste. Aquarelle, encre de Chine, plume, pastel sec, parfois crayon de couleur : chaque médium apporte un type de vibration spécifique. Les aquarelles jouent sur les transparences, les encres accentuent les lignes de force, les pastels épaississent la matière. Là encore, le visiteur qui envisage un achat gagne en précision : il voit, en situation, ce que change l’usage d’une encre grise plutôt qu’un tracé au fusain.

Sur le marché, ces distinctions techniques ont un impact réel. D’après les résultats observés dans les ventes d’arts graphiques à Bruxelles entre 2022 et 2025, les encres et aquarelles signées, en bon état, se situent souvent dans une fourchette de 300 à 900 € pour des artistes modernistes belges peu réédités, quand des dessins au crayon non datés, plus fragiles, peuvent rester sous les 200 €. La présence d’une signature lisible, d’une date et d’une provenance claire (achat en galerie identifiée, mention d’une exposition) joue un rôle déterminant dans cette appréciation.

L’exposition bruxelloise de Rimbout fonctionne donc comme un dictionnaire visuel de techniques sur papier, tout en rappelant qu’une œuvre n’est jamais réductible à sa technique. Le parti de l’artiste, qui fait de la couleur un véritable langage, montre que le support papier peut porter une ambition aussi forte que la peinture à l’huile. Pour un public habitué à associer prix élevés et grands formats sur toile, cette leçon invite à considérer autrement les hiérarchies implicites du marché.

Rencontre avec Cécile Douard et naissance d’un langage du mouvement

Un autre noyau de l’exposition se concentre sur la relation de Germaine Rimbout avec Cécile Douard, artiste devenue aveugle à l’âge adulte. Les cartels rappellent que les deux femmes se rencontrent en 1923, lorsque Rimbout s’engage bénévolement auprès de la Ligue Braille. Douard l’initie davantage à la peinture, à la gravure et à la sculpture. Elles voyagent ensemble en Europe, nourrissant une relation à la fois intellectuelle et affective.

Cette biographie n’est pas un simple arrière-plan. Elle éclaire la façon dont Rimbout aborde le corps et l’espace. Une artiste qui dialogue avec une collègue privée de vue est forcément plus attentive aux rythmes, aux contours, aux volumes ressentis plutôt que seulement vus. Cette attention aux mouvements se lit dans les séries consacrées au sport, à la danse, au mime. La salle consacre plusieurs murs à ces thèmes, avec des personnages stylisés, parfois presque sans visage, absorbés dans des réseaux de lignes et de spirales.

Les dessins liés au mime Marcel Marceau, très présents dans la seconde partie du parcours, témoignent de cette recherche. Les mains, les gestes suspendus, les déséquilibres deviennent des motifs récurrents. Ce n’est plus le portrait psychologique qui prime, mais la capture d’une tension. Pour le visiteur, cela offre une expérience dynamique : l’œil circule, suit une courbe, rebondit d’un personnage à l’autre.

Les spectateurs qui fréquentent les ventes d’art ou les galeries à Bruxelles peuvent y voir une clé de lecture pour d’autres artistes du mouvement d’après-guerre, qui ont également exploré la danse ou le cirque. À budget égal, un dessin qui porte la trace claire d’un travail sur le mouvement, comme ceux de Rimbout, garde souvent mieux l’attention du regardeur qu’une simple étude statique. C’est un critère tout à fait défendable pour orienter un choix d’achat.

Cirque, mime, sport : quand le spectacle vivant nourrit l’art contemporain

Les salles consacrées au cirque Medrano à Montmartre forment l’une des séquences les plus marquantes de l’exposition. On y découvre des croquis pris sur le vif lors des séjours parisiens de Rimbout : spectateurs de profil, artistes en piste, clowns en coulisse. Les feuilles présentent souvent des annotations manuscrites sur la lumière, les couleurs des costumes, les mouvements observés. Ensuite, dans l’atelier, ces notes deviennent matière pour des compositions plus abstraites.

Les clowns occupent une place singulière. Parfois incarnés comme des figures mélancoliques, parfois utilisés comme prétexte pour explorer des contrastes de couleurs vives, ils s’inscrivent dans une tradition iconographique que l’on retrouve chez d’autres artistes modernes. Rimbout écrit un jour : « Après tout, nous sommes tous plus ou moins des clowns en face du problème humain. » L’exposition place cette phrase en exergue, donnant une profondeur existentielle à ces figures qui, autrement, pourraient sembler anecdotiques.

Pour le collectionneur, ces œuvres thématiques ont une résonance précise. Les ventes publiques montrent régulièrement que les séries cohérentes – cirque, danse, sport – attirent davantage les acheteurs que les feuilles isolées. Un lot de trois études de cirque signées, issues d’une même période, peut atteindre des montants plus élevés qu’une œuvre unique, car l’ensemble raconte une histoire. Entre 2021 et 2024, à Bruxelles et Paris, des ensembles comparables pour d’autres artistes modernistes se sont vendus entre 1 000 et 3 000 € pour trois ou quatre feuilles encadrées.

Ce rapport entre spectacle vivant et arts visuels résonne fortement avec la programmation générale de Bruxelles, où les festivals de danse contemporaine et de cirque sont nombreux. La ville se positionne ainsi comme un terrain propice pour redécouvrir comment ces disciplines se nourrissent mutuellement, dans la culture d’hier comme dans celle d’aujourd’hui.

Nature, voyages et tension entre figuration et abstraction

Au fil de l’exposition, les paysages prennent progressivement le relais des figures. Arbres, plaines, littoraux, collines : ces sujets ne fonctionnent pas comme de simples vues pittoresques. Rimbout s’intéresse aux rythmes internes des branches, aux correspondances entre les masses sombres et les ciels clairs, aux passages de couleur qui traduisent un souffle de vent plutôt qu’une ressemblance photographique.

Les voyages aux Pays-Bas, en France et en Grèce occupent une place importante dans les vitrines. De nombreux carnets de croquis, accompagnés de mentions manuscrites, témoignent d’une observation inlassable. L’artiste note par exemple la variation d’une teinte en fin de journée, ou la « respiration » d’un alignement d’arbres. Une fois de retour en atelier, ces notes se transforment en aquarelles « abstraites », où subsiste pourtant la trace du motif de départ.

Cette tension entre figuration et abstraction constitue l’un des points les plus riches pour le visiteur qui s’intéresse à l’art contemporain. Plutôt que d’opposer frontalement les deux catégories, l’exposition montre un continuum. Certaines feuilles laissent deviner un tronc, une colline, une mer. D’autres ne gardent que des lignes de force. Le regard oscille, comme si l’artiste demandait au spectateur d’achever lui-même la transformation du réel en rythme visuel.

Dans une perspective d’achat, cette oscillation fournit une grille de lecture utile pour d’autres artistes. Une œuvre qui semble d’abord abstraite peut receler un souvenir de paysage, ce qui la rend plus accessible pour un amateur qui ne se sent pas encore prêt à plonger dans une abstraction radicale. À prix égal, beaucoup de collectionneurs débutants trouvent plus facile d’accrocher chez eux une œuvre où ils peuvent « revoir » une forêt ou un littoral, même stylisés.

Une abstraction sensible, jamais détachée du réel

L’un des mérites de l’accrochage bruxellois est de regrouper des séries qui soulignent la cohérence de cette recherche. Dans les dernières salles, les « compositions » portant simplement un numéro – « Composition n°1 », par exemple – présentent des réseaux de formes colorées qui rappellent à la fois des branches, des courants marins, des silhouettes en mouvement. Les commissaires parlent d’« abstraction sensible », expression qui décrit bien cette manière de ne jamais rompre totalement le fil avec le monde observable.

Pour le public, cette notion peut devenir un critère de choix. Si vous hésitez entre deux feuilles d’un même artiste, l’une très abstraite, l’autre où affleurent encore des motifs naturels, le lien au réel peut jouer dans votre décision finale. L’expérience montre que ces œuvres à mi-chemin se revendent plus facilement, car elles parlent à des sensibilités diverses. Les transactions observées sur des artistes belges de la même période, pour ce type d’« abstraction habitée », se situent fréquemment dans la tranche 800–1 500 € pour un format moyen encadré, en ventes publiques bruxelloises entre 2020 et 2024.

Cette partie de l’exposition ancre aussi Rimbout dans le patrimoine artistique belge plus largement. La proximité avec des figures comme Spilliaert ou des paysagistes modernistes se lit dans la façon dont la lumière et les horizons sont traités. Sans chercher à les imiter, elle partage avec eux une attention aiguë au climat visuel propre à la Belgique : ciels changeants, lumières diffuses, contrastes atténués. La réhabilitation de son œuvre n’ajoute donc pas seulement un nom de plus à une liste, elle affine notre compréhension de toute une période.

Une réhabilitation dans l’histoire de l’art moderne et son impact sur le marché

Le dernier axe majeur de l’exposition consiste à recontextualiser la place de Germaine Rimbout dans l’histoire de l’art belge du XXe siècle. Malgré des expositions régulières à Bruxelles dans les années 1960, notamment à la galerie Au Cheval de Verre en 1966 et 1967, son nom avait peu à peu disparu des récits dominants. L’exposition organisée par la Bibliothèque royale en 1976, accompagnée d’un catalogue raisonné des œuvres sur papier, n’avait pas suffi à inverser durablement la tendance.

Le projet actuel des Musées royaux s’inscrit dans un mouvement international de réhabilitation d’artistes, souvent des femmes, dont le travail avait été sous-estimé. Pour le public bruxellois, cela se traduit par une série de parcours transversaux – comme la programmation « Art x Gender » – qui interrogent les stéréotypes de genre dans les collections. Rimbout y trouve naturellement sa place, par sa persévérance et par la cohérence de son œuvre sur plus d’un demi-siècle.

Du point de vue du marché, cette mise en lumière a des conséquences, mais il faut les aborder avec prudence. Une exposition muséale de cette ampleur contribue à stabiliser la perception de la qualité d’une œuvre, ce qui peut soutenir une cote lorsqu’elle existe déjà. Pour autant, aucune valorisation future ne peut être promise. Les fourchettes évoquées pour des œuvres comparables restent indicatives, et chaque pièce doit être évaluée au cas par cas, idéalement avec l’aide d’un commissaire-priseur ou d’un expert agréé lorsqu’il s’agit d’une vente importante.

Cette réinscription de Rimbout dans le paysage de l’art contemporain s’articule aussi avec d’autres segments du marché, comme le street art ou la sculpture. Les collectionneurs qui s’intéressent au mouvement, aux corps en tension, peuvent chercher à établir des dialogues entre des dessins sur papier des années 1950 et des œuvres murales actuelles. Pour se repérer dans ces autres champs, des ressources spécialisées, comme ce guide pour acheter du street art selon le prix ou ce panorama des sculpteurs contemporains en France, peuvent compléter utilement la visite muséale.

Repères pratiques pour le visiteur et le collectionneur

Pour synthétiser les informations utiles que l’on retire de cette exposition, il peut être pertinent de les mettre en regard de situations concrètes rencontrées sur le marché. Le tableau ci-dessous ne promet aucun rendement, il donne des ordres de grandeur observés récemment sur des segments comparables.

Ces repères montrent qu’un amateur qui découvre Rimbout aux Musées royaux peut, à terme, envisager un achat sur le marché des arts graphiques sans dépasser systématiquement des budgets très élevés. L’important reste de privilégier les œuvres signées, datées, avec une provenance documentée et, autant que possible, liées de manière identifiable à l’un des grands axes de son travail : corps en mouvement, cirque, mime, paysages en transformation.

Face à ces paramètres, une position nette peut être assumée : à budget égal, mieux vaut choisir une œuvre sur papier signée, bien documentée, d’une artiste replacée clairement dans l’histoire de l’art contemporain, qu’un multiple de reproduction non numéroté, même séduisant. La revente éventuelle reste plus structurée lorsqu’une institution a déjà posé le cadre historique.

Où et jusqu’à quand voir l’exposition consacrée à Germaine Rimbout à Bruxelles ?

L’exposition « Germaine Rimbout – Poésie. Couleur. Mouvement » se tient aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, 3 rue de la Régence à 1000 Bruxelles, dans la salle Spilliaert dédiée aux arts sur papier. Elle est programmée jusqu’au 18 octobre 2026 selon le calendrier communiqué par l’institution, sous réserve des horaires et fermetures exceptionnelles annoncés sur le site du musée.

Quel budget prévoir pour découvrir l’exposition et les collections permanentes ?

Le billet combiné donnant accès à l’exposition sur Germaine Rimbout et aux collections permanentes se situe généralement entre 15 et 20 € en 2026, sur la base des tarifs publics des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique. Des réductions existent pour certains publics (jeunes, seniors, groupes), à vérifier directement auprès du musée avant votre visite.

Les œuvres de Germaine Rimbout sont-elles accessibles à l’achat ?

Une partie des œuvres de Germaine Rimbout présentées appartient aux collections publiques et n’est pas destinée à la vente. Il peut toutefois exister des feuilles en main privée qui passent ponctuellement en ventes aux enchères ou en galerie. Dans ce cas, il faut examiner la signature, la date, la provenance et l’état de conservation, et demander conseil à un commissaire-priseur ou un expert agréé pour toute acquisition significative.

Pourquoi cette exposition est-elle considérée comme une réhabilitation ?

Germaine Rimbout a été exposée de son vivant, notamment à Bruxelles dans les années 1960, puis à la Bibliothèque royale en 1976, mais son nom restait peu présent dans les histoires de l’art belge du XXe siècle. L’exposition des Musées royaux rassemble pour la première fois une centaine de ses œuvres sur papier et les replace dans un récit plus large, en soulignant son apport à la couleur, au mouvement et aux expérimentations graphiques. Cette visibilité muséale contribue à corriger un oubli historique.

Que peut apprendre un collectionneur débutant de cette exposition ?

Un collectionneur débutant y découvre la richesse de l’art sur papier : diversité des techniques, importance de la signature et de la provenance, impact de l’encadrement et cohérence des séries thématiques. L’exposition montre aussi comment une artiste moderne construit un langage personnel à partir du corps, du paysage et de la couleur, ce qui aide ensuite à évaluer des œuvres comparables sur le marché, sans confondre appréciation esthétique et promesse de plus-value.